Kā attīstījās žanrs. Romāns kā literārs žanrs. Viduslaiku mūzika

Nosūtiet savu labo darbu zināšanu bāzē. Izmantojiet zemāk esošo veidlapu

Studenti, maģistranti, jaunie zinātnieki, kuri izmanto zināšanu bāzi studijās un darbā, būs jums ļoti pateicīgi.

Publicēts vietnē http://www.allbest.ru

Termins "žanrs" radās 17. gadsimta vidus franču klasicisma estētikā, lai gan žanra pašnoteikšanās pastāvēja daudz agrāk. XVI gadsimtā. akadēmiskās mākslas teorētiķi to ir sadalījuši "augstajos" un "zemajos" žanros atkarībā no attēla tēmas, tēmas, sižeta. Šis sadalījums tika nostiprināts Eiropas mākslas akadēmiju praksē 17.-19.

Glezniecībā vēsturiskie (varonīgie) un mitoloģiskie žanri tika uzskatīti par "augstiem", portrets (izņemot ceremoniālu, ceremoniālu, statuju), ainava, klusā daba tika uzskatīta par "zemu". Literatūrā bija kontrasts starp traģēdiju un komēdiju. Baznīca savukārt kanonizēja ikonu glezniecības ikonogrāfiju, altārgleznu un skulpturālo kompozīciju, gleznas par Bībeles tēmām.

Literatūras žanra kategorija ir vēsturiskā kategorija. Literatūras žanri parādās tikai noteiktā vārda mākslas attīstības stadijā un pēc tam nemitīgi mainās un aizvietojas. Jautājums ir ne tikai par to, ka daži žanri aizstāj citus un ne viens no žanriem ir “mūžīgs” literatūrai, bet arī tas, ka mainās paši atsevišķu žanru atšķiršanas principi, mainās žanru veidi un raksturs, to funkcijas tajā vai tajā. laikmets.

Mūsdienu dalījums žanros, pamatojoties uz tīri literārām īpašībām, parādās salīdzinoši vēlu. Krievu literatūrai tīri literārie žanru atšķiršanas principi stājas spēkā galvenokārt 17. gadsimtā. Līdz tam laikam literārajiem žanriem vienā vai otrā pakāpē papildus literārajām funkcijām bija arī ne-literāras funkcijas. Literārie žanri ir darbu grupas, kas izceļas literatūras žanru ietvaros. Katram no tiem ir noteikts stabilu īpašību kopums. Daudzu literāro žanru izcelsme un saknes meklējamas folklorā.

Žanrus ir grūti sistematizēt un klasificēt (atšķirībā no literatūras žanriem), spītīgi pretoties tiem. Pirmkārt, tāpēc, ka to ir daudz: žanri ir specifiski katrā mākslinieciskajā kultūrā. Turklāt žanriem ir dažādi vēsturiski apjomi. Daži ir pastāvējuši visā verbālās mākslas vēsturē (piemēram, piemēram, fabula, mūžīgi dzīva no Ezopa līdz S. V. Mihalkovam); citi ir saistīti ar noteiktiem laikmetiem. Attēls kļūst sarežģītāks arī tāpēc, ka viens un tas pats vārds bieži apzīmē dziļi atšķirīgas žanra parādības.

Vārds "elegija" apzīmē vairākus žanra veidojumus. Agrīno laikmetu un kultūru elēģijām ir atšķirīgas iezīmes. Principā nav iespējams pateikt, kas ir elēģija kā tāda un kāda ir tās superepohas unikalitāte. Vienīgā pareizā definīcija ir elēģija "kopumā" kā "liriskās dzejas žanrs".

Daudziem citiem žanra apzīmējumiem (dzejolis, romāns, satīra utt.) Ir līdzīgs raksturs.

Esošie žanra apzīmējumi aptver dažādus darbu aspektus.

Tādējādi vārds "traģēdija" nosaka šīs dramatisko darbu grupas iesaistīšanos noteiktā emocionālā un semantiskā noskaņā (patoss); vārds "stāsts" runā par darbu piederību literatūras episkajai ģintij un par "vidējo" teksta apjomu (mazāk nekā romāniem un vairāk nekā īsiem un īsiem stāstiem); sonets ir lirisks žanrs, ko, pirmkārt, raksturo stingri noteikts apjoms (14 panti) un īpaša atskaņu sistēma utt. Autori savu darbu žanru bieži apzīmē patvaļīgi, neatbilstot parastajam vārdu lietojumam. Tātad, N.V. Gogols nosauca mirušās dvēseles par dzejoli; A.T. "Māja pie ceļa" Tvardovskim ir apakšvirsraksts "liriskā hronika", "Vasilijs Terkins" - "grāmata par karavīru".

Dabiski, ka literatūras teorētiķiem nav viegli orientēties žanru evolūcijas procesos un nebeidzamajā žanru apzīmējumu "dažādībā". Tomēr mūsu gadsimta literatūras kritika ir vairākkārt ieskicējusi un zināmā mērā veikusi jēdziena "literārais žanrs" attīstību ne tikai konkrētā, vēsturiskā un literārā aspektā (atsevišķu žanru veidojumu izpēte), bet arī teorētisko.

Žanru apsvēršana nav iedomājama, neatsaucoties uz literāro darbu organizāciju, struktūru un formu. Oficiālās skolas teorētiķi par to neatlaidīgi runāja. Pamatā krievu formālistu pieejā mākslas darbam (pirmkārt, poētiskajam) bija apgalvojums, ka tieši forma padara dzeju par dzeju, nosakot pēdējā specifiku.

Mantojot formālās skolas tradīcijas un vienlaikus pārskatot dažus tās noteikumus, zinātnieki pievērsa lielu uzmanību žanru semantiskajai pusei, izmantojot terminus "žanra būtība" un "žanra saturs". Plauksta šeit pieder M.M. Bahtins, kurš teica, ka žanra forma ir nesaraujami saistīta ar darbu tēmu un to autoru pasaules redzējuma iezīmēm.

Uzsverot, ka darbu žanriskās īpašības veido neatņemamu vienotību, Bahtins vienlaikus nošķīra žanra formālos (strukturālos) un materiālos aspektus. Viņš atzīmēja, ka tādi žanra nosaukumi, kas sakņojas senatnē kā epika, traģēdija, idille, kas raksturoja darbu uzbūvi, vēlāk, attiecinot tos uz jauno laiku literatūru, "tiek izmantoti kā žanra būtības apzīmējums.

Tādā pašā veidā - literāro žanru koncepciju G.N. Pospelovs, kurš 40. gados uzņēmās oriģinālu pieredzi žanra parādību sistematizācijā. Viņš izšķīra žanra formas "ārējs" ("slēgts kompozīcijas-stilistiskais veselums") un "iekšējais" ("īpaši žanra saturs" kā "figurālās domāšanas" un "rakstzīmju kognitīvās interpretācijas princips"). Uzskatot ārējās (kompozīcijas un stilistiskās) žanra formas par jēgpilni neitrālām (šajā vairākkārt atzīmētais Pospelova žanru jēdziens ir vienpusējs un neaizsargāts), zinātnieks koncentrējās uz žanru iekšējo pusi. Viņš identificēja un raksturoja trīs supra-epoch žanru grupas, to diferenciāciju pamatojot ar socioloģisko principu: attiecību veids starp mākslinieciski saprotamo personu un sabiedrību, sociālo vidi plašā nozīmē.

Kopā ar eposiem, eposiem un odēm, par kurām N.G. Pospelovs runāja par nacionālvēsturiskā žanra satura darbiem, zinātnieks izdalīja vēl vienu: mitoloģisku, kas satur "tautas figurāli fantastiskus skaidrojumus par dažu dabas un kultūras parādību izcelsmi". Šos žanrus viņš attiecināja tikai uz vēsturiski agrīno, "pagānisko" sabiedrību "priekšmākslu", uzskatot, ka "žanru mitoloģiskā grupa, tautu pārejas laikā uz augstākiem sociālās dzīves līmeņiem, nesaņēma savu tālāko attīstību".

Žanru grupu raksturojums, ko sniedza G.N. Pospelovam piemīt skaidras konsekvences cieņa. Tomēr tas ir nepilnīgs. Tagad, kad aizliegums apspriest reliģiskās un filozofiskās mākslas problēmas no krievu literatūras kritikas ir atcelts, zinātnieku teikto var viegli papildināt ar to, ka pastāv un ir dziļi nozīmīga literāro un mākslas žanru grupa, kurā cilvēks atrodas saistīts ne tik daudz ar sabiedrības dzīvi, cik ar kosmiskajiem principiem, universālajiem likumiem, pasaules kārtību un augstākajiem esības spēkiem. Tās ir līdzības, dzīves, noslēpumainības, reliģiskie un filozofiskie teksti.

Nosauktie žanri, kas neiederas nevienā socioloģiskā konstrukcijā, pamatoti var tikt definēti kā ontoloģiski (ontoloģija ir esības mācība).

Žanru pirmsākumi, kurus mēs nosaucām par ontoloģiskiem, ir mitoloģiski arhaiski, un galvenokārt mīti par pasaules radīšanu, ko sauc par etioloģiskiem (vai kosmoloģiskiem).

Žanru ontoloģiskais aspekts ir uzsvērts vairākās 20. gadsimta ārzemju teorijās. Literatūras žanru materiālais (semantiskais) pamats, kā redzat, piesaista vislielāko 20. gadsimta zinātnieku uzmanību. Un tas tiek uztverts dažādos veidos.

Romāns ir atzīts par vadošo literatūras žanru pēdējo gadsimtu laikā. Atšķirībā no klasiskā eposa romāns koncentrējas uz vēsturiskas tagadnes un atsevišķu cilvēku likteņa attēlošanu, vienkāršiem cilvēkiem, kuri meklē sevi un savu likteni "prozaiskā" pasaulē, kas ir zaudējusi savu sākotnējo stabilitāti, integritāti un svētumu (dzeja). Pat ja romānā darbība tiek pārnesta uz pagātni, šī pagātne vienmēr tiek novērtēta un uztverta kā tieši pirms tagadnes un korelē ar tagadni.

Romāns (pēc Bahtina domām) spēj atklāt cilvēkā ne tikai uzvedībā noteiktās īpašības, bet arī nerealizētas iespējas, noteiktu personīgo potenciālu: "Viena no galvenajām romāna iekšējām tēmām ir tieši varoņa nepietiekamības tēma. par viņa likteni un stāvokli, "cilvēks var būt šeit" vai vairāk nekā jūsu liktenis, vai mazāk nekā jūsu cilvēcība.

Pamats romāna veidošanai un nostiprināšanai rodas tur, kur ir interese par personu, kurai ir vismaz relatīva neatkarība no sociālās vides institūcijām ar tās imperatīviem, rituāliem, rituāliem, kam nav raksturīga “ganāmpulka” iesaistīšanās sabiedrībā. . Cilvēka atsvešināšanos no sabiedrības un pasaules kārtības interpretēja M.M. Bahtins kā obligāti dominējošais romānā.

Klasiskajos romānos XIX gs. varoņa paļaušanās uz sevi visbiežāk tika pasniegta neviennozīmīgā atspoguļojumā: no vienas puses, kā cilvēka cienīgs "stāvošs", cildens, pievilcīgs, burvīgs, no otras puses, kā maldu un dzīves sakāves avots. Tajā pašā laikā daudzi romānu varoņi cenšas pārvarēt savu vientulību un atsvešinātību.

Romāna garajā vēsturē ir skaidri redzami divi tā veidi, kas vairāk vai mazāk atbilst diviem literārās attīstības posmiem. Tie, pirmkārt, ir ļoti notikumiem bagāti darbi, kuru pamatā ir ārēja darbība, kuru varoņi cenšas sasniegt dažus vietējos mērķus. Tie ir piedzīvojumiem bagāti romāni, jo īpaši nelietīgie, bruņnieciskie, "karjeras romāni", kā arī piedzīvojumu un detektīvromāni.

Otrkārt, tie ir romāni, kas literatūrā ir valdījuši pēdējos divus vai trīs gadsimtus, kad viena no sociālās domas, mākslinieciskās jaunrades un kultūras problēmām kopumā ir kļuvusi par cilvēka garīgo patstāvību. Iekšējā darbība veiksmīgi konkurē ar ārējo darbību: notikumu bagātība ir manāmi vājināta, un priekšplānā izvirzās varoņa apziņa savā daudzpusībā un sarežģītībā ar tās nebeidzamo dinamiku un psiholoģiskajām niansēm.

Viena no svarīgākajām romāna un ar to saistītā stāsta iezīmēm (īpaši 19. un 20. gadsimtā) ir autoru ciešā uzmanība varoņiem apkārtējā mikrovidē. Ārpus mikrovides atjaunošanas romānistam ir ļoti grūti parādīt cilvēka iekšējo pasauli.

Romāni, kas koncentrējas uz cilvēka saistību ar viņam tuvu realitāti un, kā likums, dod priekšroku iekšējai darbībai, ir kļuvuši par sava veida literatūras centru. Viņi visnopietnākajā veidā ietekmēja visus pārējos žanrus, pat pārveidoja tos.

Žanri pamazām iegūst un uzkrāj savas īpašības - nepieciešamos un pietiekamos apstākļus viņu identitātei, pēc tam "dzīvo", daloties visu dzīvo būtņu liktenī, tas ir, noturīgās pārmaiņās; dažreiz viņi "mirst", viņi pamet dzīvo literāro procesu, dažreiz viņi atgriežas dzīvē, parasti pārveidotā formā.

Žanru normas un noteikumi (kanoni) sākotnēji tika veidoti spontāni, pamatojoties uz rituāliem ar saviem rituāliem un tautas kultūras tradīcijām. "Gan tradicionālajā folklorā, gan arhaiskajā literatūrā žanra struktūras nav atdalāmas no ārpusliterārām situācijām; žanra likumi tieši saplūst ar rituāla un ikdienas pieklājības noteikumiem."

Vēlāk, pastiprinoties refleksijai mākslinieciskajā darbībā, daži žanra kanoni pieņēma skaidri formulētu noteikumu (postulātu) izskatu. Žanra kanons ir "noteikta stabilu un stabilu žanru iezīmju sistēma".

Tradicionālie žanri, stingri formalizēti, pastāv atsevišķi viens no otra, atsevišķi. Robežas starp tām ir skaidras un atšķirīgas. Šādi žanra veidojumi atbilst noteiktām tradīcijām izstrādātām normām un noteikumiem, kas autoriem ir obligāti.

Normatīvās poētikas laikmetā (no senatnes līdz 17.-18. Gadsimtam) līdztekus teorijas ieteiktajiem un regulētajiem žanriem bija arī tādi žanri, kas vairākus gadsimtus nesaņēma teorētisku pamatojumu, bet kuriem bija arī stabila strukturālā struktūra. īpašības. Tādas ir pasakas, pasakas, noveles un līdzīgas pēdējām, smieklīgi skatuves darbi, kā arī daudzi tradicionālie lirikas žanri (ieskaitot folkloru).

Žanru struktūras ir mainījušās (un diezgan dramatiski) pēdējo divu vai trīs gadsimtu literatūrā, it īpaši postromantiskajā laikmetā. Tie kļuva kaļami un elastīgi, zaudēja kanonisko smagumu un tāpēc pavēra plašas jomas individuālas autora iniciatīvas izpausmei. literārais žanrs

Žanru struktūru "dekanonizācija" lika manīt jau 18. gadsimtā. XIX-XX gs. parasti tās nav parādības, kas ir izolētas viena no otras un kurām piemīt izteikts īpašību kopums, bet gan darbu grupas, kurās vairāk vai mazāk ir skaidri saskatāmas noteiktas formālas un saturiskas izvēles un akcenti.

Attiecīgi literatūrā ir divu veidu žanru struktūras: gatavas, pilnīgas, cietas formas (kanoniski žanri) (piemēram, sonets) un nekanoniskas žanra formas: elastīgas, atvērtas visādām pārvērtībām, pārstrukturēšana, atjauninājumi (piemēram, elēģijas vai noveles jaunā laika literatūrā) ...

Žanri, saskaņā ar D.S. Likhačovs, "iesaistīties mijiedarbībā, atbalstīt viens otra eksistenci un vienlaikus sacensties savā starpā"; tādēļ ir jāizpēta ne tikai atsevišķi žanri un to vēsture, bet arī "katra dotā laikmeta žanru sistēma".

Publicēts vietnē Allbest.ru

Līdzīgi dokumenti

Epigrammas kā atsevišķa literārā žanra jēdziens un vispārīgās iezīmes, tās galvenās līdzības un atšķirīgās iezīmes ar citiem žanriem. Tās iezīmes: īsums, mērķēšana, satīrisks fokuss. Epigrammas veidošanās un attīstības vēsture.

raksts pievienots 25.04.2015


Uzstādītas aforisma zīmes. Īsums, vispārīgums, kodolīgums, izsmalcinātība, domu oriģinalitāte un dažreiz paradoksalitāte. Aforisma klasifikācija kā īpaša valodas un runas vienība. Tolstoja epistolārais mantojums. Aforistiskā diskursa pazīmes.

abstrakts, pievienots 27.10.2016


Īsa informācija par amerikāņu rakstnieka K. Kesija dzīvi un daiļradi. Brīvības un varas sadursmes ideja K. Kesija romānā "Virs dzeguzes ligzdas". Mehāniskā un dzīvā attiecības romānā halucināciju, sapņu un varoņa-stāstītāja pasaules redzējuma veidā.

kopsavilkums pievienots 14.12.2013


Slavenā angļu rakstnieka J. Tolkīna biogrāfija. "Hobits" ir notikumiem bagāta pasaka bērniem un pieaugušajiem. The Silmarillion mitoloģiskā pasaule. Romāns "Gredzenu pavēlnieks" kā pravietisks brīdinājums par neierobežotas varas briesmām visām dzīvajām būtnēm.

ziņojums pievienots 15.03.2015


Darbu veidi, kas attīstījušies literārās literatūras attīstībā kā galvenie žanri literatūras kritikā. Dokumentālo un žurnālistikas žanru vispārīgās iezīmes. Eseja kā žanrs literatūras, žurnālistikas, zinātnes krustpunktā.

abstrakts, pievienots 18.06.2015


Literatūras vēsturiskās attīstības posmi. XIX-XX gadsimta literārā procesa un pasaules mākslas sistēmu attīstības posmi. Literatūras reģionālā, nacionālā specifika un pasaules literārās saites. Salīdzinošs dažādu laikmetu literatūras pētījums.

abstrakts, pievienots 13.08.2009


Krievu literatūras parādīšanās, posmi un virzieni. Galvenie žanri: dzīve, senkrievu daiļrunība, vārds, stāsts, to salīdzinošās īpašības un iezīmes. Apvienojošie žanri: hronika, hronogrāfs, cheti-menaea, patericon, atšķirīgās iezīmes.

tests, pievienots 20.01.2011


Literārās pasakas jēdziena būtība un tās iezīmes. Pasaku veidi un pieejas to klasifikācijai. Padomju bērnu literatūras apskats, literāro pasaku periodizācija, to vēsture, žanri, specifika. Galvenā varoņa tēls L. Lagina stāstā "The Old Man Hottabych".

abstrakts, pievienots 21.11.2010


Publicistiskais runas stils. Esejas valodas kā žurnālistikas stila apakštila vispārīgās iezīmes, žanra evolūcija. Dž. Adisona un R. Stīla radošums. Ceturkšņa literāro un politisko žurnālu uzplaukums. Literatūras žanru rakstīšanas process.

kursa darbs, pievienots 23.05.2014


Postmodernā žanra rašanās vēsture literatūrā - literatūra; tās būtiskās atšķirības no tradicionālās mākslas informācijas formām. Virtuālās personības, emuāra, elektroniskās bibliotēkas raksturojums kā inovatīvi literārie žanri.

Šajā rindkopā ir jāizpēta "portreta" jēdziens un jāanalizē portreta žanra vēsture.

Mākslas vārdnīca sniedz precīzu portreta definīciju. Portrets (no franču rortrait) ir "tēlotājmākslas virziens, kas veltīts konkrētas personas vai cilvēku grupas attēlošanai - ārēji līdzīgs cilvēka tēls, viņa temperaments, iekšējā attieksme un dzīves gars".

Bet ārējā līdzība nav vienīgā un, iespējams, ne vissvarīgākā īpašība, kas raksturīga portretam. Īsts portretu gleznotājs neaprobežojas tikai ar sava modeļa ārējo iezīmju atveidošanu, viņš cenšas nodot viņas rakstura īpašības, atklāt viņas iekšējo, garīgo pasauli. Ir arī ļoti svarīgi parādīt attēlojamās personas sociālo stāvokli, izveidot tipisku kāda laikmeta pārstāvja tēlu.

Portrets kā žanrs senajā mākslā parādījās pirms vairākiem tūkstošiem gadu. Mākslinieki, kuri veidoja savu laikabiedru freskas portretus, neiedziļinājās modeļu īpašībās, un ārējā līdzība šajos attēlos ir ļoti relatīva.

Tātad, saskaņā ar tehniku, grafika ir sadalīta zīmēšanas un drukātā grafikā. Senākais grafikas veids ir zīmēšana. Tās pirmsākumi vērojami primitīvos klinšu kokgriezumos un senajā glezniecībā, kur attēla pamatā ir līnija un siluets.

Senajā Grieķijā un Senajā Romā molberta glezniecība nepastāvēja, tāpēc portreta māksla galvenokārt tika izteikta tēlniecībā. Lielu interesi rada gleznainie portreti, kas radīti Ēģiptē 1.-4. Šie portreti ir krāsoti uz koka dēļiem vai audekla ar otu un šķidru temperamentu.

Viduslaikos, kad māksla tika pakārtota baznīcai, glezniecībā galvenokārt tika radīti reliģiski tēli [Lyubimov L, 67. lpp.].

Portreta žanra ziedu laiki sākās renesanses laikā. Daudzi slaveni renesanses meistari pievērsās portreta glezniecībai, tostarp Botičelli, Rafaēls, Leonardo da Vinči. Lielākais pasaules mākslas darbs bija slavenais Leonardo šedevrs - portrets "Mona Liza", kurā daudzi nākamo paaudžu portretu gleznotāji ieraudzīja paraugu.

Ticiānam bija milzīga loma Eiropas portreta žanra attīstībā.Renesanses laikā daudzi mākslinieki, kas radīja altāra un mitoloģiskas kompozīcijas, pievērsās portreta žanram. Atzītais portreta žanra meistars bija vācu mākslinieks Albrehts Durers, kura pašportreti joprojām priecē skatītājus un kalpo par piemēru māksliniekiem. [Djatleva G. V., 57. lpp.]

Renesanses laikā Eiropas glezniecībā parādījās dažādi portreta veidi. Krūšu portrets tajā laikā bija ļoti populārs, lai gan parādījās arī pusgari, paaudzes attēli un pilna garuma portreti. Plaši bija arī grupu portreti, kad mākslinieks uz viena audekla parādīja vairākus modeļus. Šāda darba piemērs ir Titiāna "Pāvesta Pāvila III portrets ar Alesandru un Ottavio Farnesi" (1545-1546).

17. gadsimtā Eiropas glezniecībā nozīmīgu vietu ieņēma intīms (kamerveida) portrets, kura mērķis ir parādīt cilvēka prāta stāvokli, viņa jūtas un emocijas. Par šāda veida portretu atzītu meistaru kļuva holandiešu mākslinieks Rembrants.

Portreta žanrs tika tālāk attīstīts 18. gadsimtā. Portrets, atšķirībā no ainavas, deva māksliniekiem labus ienākumus. Daudzi gleznotāji, kuri nodarbojās ar svinīgu portretu veidošanu, meklēja

lai glaimotu bagātu un cēlu klientu, viņi centās izcelt viņa izskata pievilcīgākās iezīmes un neskaidros trūkumus.

Bet visdrosmīgākie un talantīgākie meistari nebaidījās no valdnieku dusmām un parādīja cilvēkus tādus, kādi viņi patiesībā bija, neslēpjot savus fiziskos un morālos trūkumus.

Anglijā parādījās Nacionālā portretu skola. Tās lielākie pārstāvji ir mākslinieki J. Reinoldss un T. Gensboro, kuri strādāja 18. gadsimtā. Viņu tradīcijas pārmantoja jaunāki angļu meistari: J. Romnijs, J. Hopners, J. Opijs.

Portretam bija svarīga loma franču mākslā. Viens no talantīgākajiem 18. gadsimta otrās puses - 19. gadsimta pirmā ceturkšņa māksliniekiem bija J.L. Dāvids.

20. gadsimta parādījušos modernisma kustību pārstāvji pievērsās arī portreta žanram. Daudzus portretus mums atstāja slavenais franču mākslinieks Pavlo Pikaso. Šie darbi meklējami meistara darba attīstībā.

Portretu žanrs krievu glezniecībā parādījās vēlāk nekā Eiropas glezniecībā. Pirmais portretmākslas piemērs bija parsuna (no krievu "personības") - krievu, baltkrievu un ukraiņu portretu glezniecības darbi, kas izpildīti pēc ikonu apgleznošanas tradīcijas.

Īsts portrets, kas balstīts uz ārējās līdzības nodošanu, parādījās 18. gadsimtā. Ievērojamu ieguldījumu krievu portretu glezniecības attīstībā deva 18. gadsimta pirmās puses talantīgais mākslinieks I. N. Ņikitins.

18. gadsimta otrās puses glezniecība ir saistīta ar tādu slavenu portretu gleznotāju vārdiem kā F.S. Rokotovs, D.G. Levitskis, V.L. Borovikovskis, kura pārsteidzoši liriskie sieviešu portreti joprojām priecē skatītājus.

Tāpat kā Eiropas mākslā, romantiskais varonis kļūst par galveno varoni krievu portretos 19. gadsimta pirmajā pusē. Sapņainība un vienlaikus varonīgs patoss, kas raksturīgs husāra tēlam E.V. Davydovs (O. A. Kiprenskis, 1809). Daudzi mākslinieki rada brīnišķīgus pašportretus, kas piepildīti ar romantisku ticību personai. 1860.-1870. Gadi-reālisma veidošanās laiks krievu glezniecībā, kas visspilgtāk izpaužas ceļojošo mākslinieku darbā. Šajā periodā portreta žanrā portreta tips guva lielus panākumus demokrātiski noskaņotas sabiedrības vidū. Šāda portreta tipa piemēru 1867. gadā gleznoja mākslinieks N. N. Ge portrets A.I. Herzen. Herzena tēlā Ge parādīja sava laikmeta labāko cilvēku kolektīvo tipu.

Ge portreta tradīcijas pārņēma tādi meistari kā V.G. Perovs (F. M. Dostojevska portrets, 1872), I. N. Kramskojs (Ļeva Tolstoja portrets, 1873). Šie mākslinieki ir izveidojuši veselu savu izcilo laikabiedru attēlu galeriju.

Brīnišķīgi portreti - tipus gleznoja I.E. Repins, kuram izdevās ļoti precīzi nodot katras personas unikālo individualitāti. Padomju periodā reālistiskais portreta veids tika tālāk attīstīts tādu mākslinieku darbā kā G.G. Rjažskis, M.V. Ņesterovs un citi. Tādi slaveni portretu gleznotāji kā P.D. Korins, T. T. Salahovs, D.I. Žilinskis un daudzi citi.

Šobrīd tādi mākslinieki kā N. Safronovs, kurš izpildīja daudzus slavenu politiķu, aktieru un mūziķu attēlus, veiksmīgi strādā portreta žanrā, I.S. Glazunovs, kurš izveidoja veselu slavenu zinātnes un kultūras figūru portretu galeriju [Lyakhova K.A., 67. lpp.].

Vizuālajā mākslā portrets ir viens no vadošajiem glezniecības, tēlniecības un grafikas, kā arī fotogrāfijas žanriem. Portreta žanra pamatā ir piemiņas princips - iemūžināt konkrētas personas izskatu. Vissvarīgākais portreta nosacījums ir attēla līdzība ar attēloto personu, un ne tikai ārēja, šeit ir svarīgi patiesi atklāt konkrētas personas garīgo pasauli kā konkrēta vēsturiskā laikmeta, tautības, sociālās vides pārstāvi . Parasti portrets attēlo mūsdienu mākslinieka seju un tiek veidots tieši no dzīves. Līdztekus tam tika izveidots vēsturisks portrets, kas attēlo pagātnes figūru un veidots no meistara atmiņām vai iztēles, pamatojoties uz dokumentālu vai literāru materiālu. Gan laikmetīgā portretā, gan vēsturiskā portretā objektīvo tēlu pavada zināma mākslinieka attieksme pret savu modeli, atspoguļojot viņa paša pasaules uzskatu, estētisko pārliecību. Atkarībā no izrādes mērķa, mākslinieciskās formas un rakstura, molbertu portreti (gleznas, krūšturi, grafikas lapas) un monumentāli (skulpturāli pieminekļi, freskas, mozaīkas), ceremoniāli (vai reprezentatīvi, t.i., svinīgi oficiāli) un intīmi, krūtīs un pilnībā izaugsme, pilna seja un profils utt. Dažādos laikmetos plaši izplatījās portreti uz medaļām un monētām, uz dārgakmeņiem (cirsts uz akmens) un portretu miniatūras. Atbilstoši rakstzīmju skaitam portreti tiek sadalīti individuālos, pārī (dubultā), grupu portretos. Īpašs portreta veids ir pašportrets. Portreta žanra robežas ir ļoti elastīgas. Bieži vien portretu vienā darbā var apvienot ar citu žanru elementiem - ainavu, kauju, interjera dizainu utt. Portrets var atklāt cilvēka augstos garīgos un morālos principus, bet vienlaikus patiesu, dažkārt nežēlīgu portretam ir pieejamas modeļa negatīvās iezīmes; šo uzdevumu risina portreta karikatūra, karikatūra, satīrisks portrets. Portreta izcelsme meklējama senatnē; pirmie nozīmīgie tā piemēri atrodami senās ēģiptiešu tēlniecībā. Senajā Grieķijā, klasiskajā laikmetā, tika radīti vispārināti, idealizēti dzejnieku, filozofu un valdnieku skulpturālie portreti. Renesanses laikā notiek plaša gleznieciska, skulpturāla un grafiska portreta ziedēšana. Šī perioda darbus raksturo būtiska uzticamība, īpašību psiholoģiskā izpausme. Visaugstākie sasniegumi šī laikmeta portretā ir saistīti ar itāļu un holandiešu gleznotāju darbu. Viņu tradīcijas veiksmīgi attīstīja nākamo periodu un māksliniecisko virzienu mākslinieki. Krievijā pastiprināta interese par portretu izpaužas 17. gadsimtā, un pētersuna šajā laikā kļuva plaši izplatīta. XVIII gadsimtā. sākas laicīgā portreta intensīva attīstība, kas Eiropas līmeni sasniedza gadsimta beigās. Būtisku ieguldījumu krievu portretu glezniecības attīstībā deva ceļojošie mākslinieki (1870. - 1900. gadi), kas paplašināja portreta žanra tematisko loku: par viņu paraugiem kļuva vienkāršās tautas pārstāvji, demokrātiskā inteliģence. Viņu sasniegumus psiholoģiskā portreta jomā veiksmīgi attīstīja 20. gadsimta meistari [Mākslas enciklopēdija, 134.-167.lpp.]

Portrets var atklāt cilvēka augstās garīgās un morālās īpašības. Tajā pašā laikā portrets ir pieejams patiesai, dažkārt nežēlīgai modeļa negatīvo īpašību identificēšanai (ar pēdējo, jo īpaši portreta karikatūra-karikatūra, ir saistīts satīriskais portrets). Kopumā portrets kopā ar indivīda raksturīgo individuālo īpašību pārnešanu spēj dziļi atspoguļot vissvarīgākās sociālās parādības to pretrunu sarežģītajā savijumā.

Portreta māksla ir unikāla mākslinieka iztēles pasaule, kura savos darbos cenšas izteikt cilvēka un viņa tēla skaistumu, apkārtējās pasaules daudzveidību un tās bagātību.

Tādējādi varam secināt, ka portreta dzimšana deva mums milzīgu pamatu jaunu portreta problēmu risināšanai. Portrets ir cieši saistīts ar gadsimtiem ilgo pasaules mākslas kultūras vēsturi. Tā, tāpat kā citos žanros, iedibināja savas tradīcijas, izstrādāja savus kanonus.

Romāns ir plašs episks audekls, kas aptver ilgu laika posmu, nozīmīgu dzīves notikumu ķēde, kas parasti tiek organizēta vairākos sižetos, caur kuriem tēla pilnībā parādās rakstzīmju tēla sistēma. Lai vispusīgi atklātu romāna varoņu rakstzīmes, rakstnieks izmanto stāstījumu ar aprakstiem un īpašībām, liriskas atkāpes un dialogus.

Romāns ieguva plašu popularitāti un uzplauka salīdzinoši nesen, taču tā saknes meklējamas senos laikos. Tātad senajā laikmetā parādās stāstījuma darbi, kuru pamatā bija piedzīvojumu-piedzīvojumu sižets: tie galvenokārt runāja par jauniem iemīlējušiem varoņiem, kuri ceļā uz laimi pārvar daudzus šķēršļus, ciešanas un pārbaudījumus. Tie ir darbi, kas rakstīti II-IV gadsimtā. AD: Longa "Dafnijs un Hloja", Ahileja Tatiusa un daži citi "Leikips un Klitofons". Viņi radīja priekšnoteikumus romāna žanra parādīšanās.

Senie grieķi minētos darbus nosauca par stāstiem vai pat tikai par grāmatām. Pats nosaukums "romāns" parādās daudz vēlāk, XII-XIII gadsimtā. Tajā laikā francūžiem, itāļiem, spāņiem un portugāļiem bija darbi, kas uzrakstīti vienā no šo tautu romāņu valodām kopā ar latīņu valodu, kas pēc tam tika pieņemta Eiropā. Atšķirībā no literārajā latīņu valodā rakstītajiem darbiem tos sauca par sopte roman, tas ir, par romantiskiem stāstiem. Pēc tam šī frāze tika samazināta, un liela apjoma darbu definēšanai palika tikai nosaukums "romāns".

Viduslaikos romāni slavēja bruņniecības ideālus, obligāti attēlojot neparastus, dažkārt fantastiskus piedzīvojumus un varoņdarbus izvēlētā sirds vārdā (bruņnieciski romāni par karali Artūru vai Aleksandru Lielo). Arī mīlas stāsts turpina attīstīties, pilns ar visādiem negaidītiem piedzīvojumiem, piemēram, romāns par Tristanu un Izoldu.

Renesanse iezīmēja reālistiskā romāna sākumu. Tie ir, pirmkārt, darbi "Gargantua un Pantagruel F. Rabelais", M. Servantesa "Dons Kihots", kas vērsti pret viduslaiku morāles važām, un tāpēc iezīmēti ar spēcīgu satīrisku straumi.

Šis žanrs ievērojamu attīstību ieguva 18. gadsimtā. Piedzīvojumu romāns, kas Rietumeiropā pazīstams kopš 11.-12. Gadsimta, nostiprina savas pozīcijas. To raksturo izveicīga vientuļnieka likteņa attēlojums, kurš ar tamborējumu un piedzīvojumiem iegūst vietu zagļu un laupītāju nežēlīgajā pasaulē, kā, piemēram, tāda paša nosaukuma romāna varonis Franču rakstnieks Lesage Gilles Blaz. Parādās arī ģimenes romantika, kuru veidojuši sentimentālisti: S. Ričardsons, L. Šterns, Dž. Ruso, I. V. Gēte. Viņi idealizēja parasto, parasto cilvēku ģimenes dzīvi, viņu ikdienu, lielu uzmanību pievērsa varoņu psiholoģijas atklāšanai, ārējo apstākļu attēlošanai, videi, veidojot cilvēka personību. XIX gadsimts. sniedza nepārspējamus romāna piemērus. Vēsturiskā romāna dibinātājs bija V. Skots, kura darbi, galvenokārt veltīti angļu viduslaiku notikumiem, kļuva pazīstami visā Eiropā (Ivanhoe, Quentin Dorward, Talisman u.c.). Bet vispopulārākie ir Stendāla ("Sarkanais un melnais"), A. Balzaka ("Tēvs Goriots", "Eugene Grande"), G. Flauberta ("Madame Bovary"), E. Zola (romānu cikls) reālistiskie romāni. "Rougon-Maccari"), C. Dickens ("Dombijs un dēls> A. Puškins (" Jevgeņijs Oņegins "), M. Gogols (" Mirušās dvēseles "), I. Turgeņevs (" Tēvi un dēli "), L. Tolstojs ("Karš un pasaule", "Augšāmcelšanās", "Anna Kareņina"), F. Dostojevskis ("Noziegums un sods", "Brāļi Karamazovi") dvēseles kustības, varoņi to veidošanā, attīstībā, kondicionēšana ārējo apstākļu ietekmē .

Reālistisks XIX-XX gadsimta romāns. atšķīrās dažādās formās: sociālā, sociālā, psiholoģiskā, psiholoģiskā, piedzīvojumu, zinātniskā. Dažādu valstu literatūrā tas attīstījās dažādos veidos. Tātad. ukraiņu literatūrā sociālā un ikdienas romāna veidotājs ir A. Svidņickis (Lyuboratskie), sociāli psiholoģiskais romāns - Panas Myrny un I. Bilyk (“Vai vērši rūc kā visas dienas bērnudārzs?”). P. Kulišs iznāk ar vēsturisko romānu "Melnā padome". Vēsturisko tēmu turpina tādi šī žanra darbi kā M. Staritska "Karmeļuks", B. Lepka "Mazepa". V. Vinnichenko nopelns slēpjas utopiska romāna ("Saules mašīna") izveidē. Būtisks ieguldījums XX gadsimta ukraiņu romāna attīstībā. veidojis V. Podmogilny, Y. Yanovsky, A. Golovko, M. Stelmakh, Oles Gonchar, P. Zagrebelny, bagātinot to ar jaunām tēmām un problēmām, jauniem mākslas atklājumiem.

Tātad romāns ir žanrs, kas pilnībā aptver dzīves notikumus, tos filozofiski izprot, analizē sabiedrības struktūru un cilvēka dvēseles daudzdimensionālo pasauli, kas nosaka šīs formas universālumu, lomu literatūras iezīmju noteikšanā. konkrēta laikmeta attīstība.

Aizvēsturiskā mūzika

Aizvēsturisks jeb primitīvs ir ierasts apzīmēt mutisku mūzikas tradīciju.

Termins "aizvēsturisks" parasti tiek attiecināts uz seno Eiropas tautu mūzikas tradīciju, un citi termini tiek lietoti attiecībā uz citu kontinentu pārstāvju mūziku - folklora, tradicionālā, tautas.

Pirmās mūzikas skaņas ir cilvēku un dzīvnieku un putnu balsu atdarinājumi medību laikā. Un pirmais mūzikas instruments vēsturē ir cilvēka balss. Ar balss saišu piepūli cilvēks jau varēja meistarīgi reproducēt skaņas visdažādākajos diapazonos: no eksotisku putnu dziedāšanas un kukaiņu čivināšanas līdz savvaļas zvēra rūkoņai.

Pirmais aizvēsturiskais mūzikas instruments, ko oficiāli apstiprinājuši arheologi, ir flauta. Primitīvā formā tā bija svilpe. Svilpšanas caurule ieguva caurumus pirkstiem un kļuva par pilnvērtīgu mūzikas instrumentu, kas pamazām tika uzlabots līdz mūsdienīgai flautai. Izrakumu laikā Vācijas dienvidrietumos tika atrasti flautas prototipi, kas datēti ar 35-40 tūkstošiem gadu pirms mūsu ēras.

Senās pasaules mūzika

Aizvēsturiskais laikmets beidzas ar pāreju uz rakstisku mūzikas tradīciju.

Vecākā zināmā dziesma, kas ierakstīta uz ķīļrakstiem, tika atrasta Nipuras izrakumos, tā datēta ar 2000. gadu pirms mūsu ēras. NS. Planšetdatoru atšifrēja Berklijas universitātes profesors A.D.Kilmers, kā arī tika pierādīts, ka tā sastādīta trešdaļās un izmantota Pitagora skaņošana.

Dubultās caurules, piemēram, tās, kuras izmantoja senie grieķi, un senās dūdu, kā arī seno zīmējumu apskats uz vāzēm un sienām, kā arī senie raksti (sk., Piemēram, Aristoteļa problēmas, XIX.12. Grāmata), kurā aprakstīta mūzikas tā laika tehnika norāda uz polifoniju. Viena caurule aulos droši vien nodrošināja fonu, bet otra spēlēja melodiskus fragmentus. Indas ielejas civilizācijā ir atrasti tādi instrumenti kā septiņu caurumu flauta un dažāda veida stīgu instrumenti.

Atsauces uz Indijas klasisko mūziku (marga) ir atrodamas Vēdu rakstos. Sama Veda, viena no četrām Vēdām, sīki apraksta mūziku. Mūzikas vēsture Irānā (Persijā) aizsākās aizvēsturiskajā laikmetā. Leģendārais diženais karalis Džamšids tiek atzīts par mūzikas izgudrošanu. Mūzika Irānā meklējama Elamu impērijas laikos (2500.-644.g.pmē.). Fragmentāri dokumenti no dažādiem valsts vēstures periodiem liecina, ka senajiem persiešiem bija plaša muzikālā kultūra. Sassanian periods (mūsu ēras 226. – 651. G.) Mums ir devis daudz pierādījumu, kas liecina par rosīgu mūzikas dzīvi Persijā. Ir saglabājušies dažu nozīmīgu mūziķu, piemēram, Barboda, Nakissa un Ramtina, vārdi, kā arī dažu viņu darbu nosaukumi.

Uz piramīdu sienām, senajos papīros, krājumos "Piramīdu teksti" un "Mirušo grāmata" ir reliģisku himnu rindas. Ir "kaislības" un "noslēpumi". Populāri priekšmeti bija Osirisa "kaislības", kas katru gadu nomira un augšāmcēlās, kā arī sieviešu dziesmas-žēlošanās par mirušo Ozīrisu. Dziesmu izpildījumu varētu pavadīt dramatiskas ainas.

Ēģiptiešu vecākie mūzikas instrumenti bija arfa un flauta. Jaunās Karalistes periodā ēģiptieši spēlēja zvanus, tamburīnus, bungas un no Āzijas ievestas liras. Bagāti cilvēki rīkoja pieņemšanas ar profesionāliem mūziķiem.

Tiek uzskatīts, ka tieši Senajā Grieķijā mūzika sasniedza visaugstāko ziedēšanu Senās pasaules kultūrā. Vārdam "mūzika" ir sengrieķu izcelsme. Senajā Grieķijā vispirms tika atzīmēta dabiska saistība starp piķi un skaitli, kuras atklāšana tradīcija attiecina uz Pitagoru.

Polisa pieaugums, kurā notika lieli kulta un pilsoņu svētki, noveda pie koru dziedāšanas attīstības pūšaminstrumenta pavadījumā. Kopā ar avlos tika izmantota metāla caurule. Pastāvīgie kari stimulēja militārās mūzikas attīstību. Paralēli attīstījās liriskā dzeja, kas tika dziedāta mūzikas instrumentu pavadījumā. Pie slaveniem dziesmu autoriem pieder Alkajs, Arhilohs un Sapfo.

Dzejnieks un mūziķis Pindars, himnu, dzeršanas un uzvaras odžu autors, kas izceļas ar dažādām formām, bagātību un dīvainiem ritmiem, kļuva par kora tekstu klasiku. Pamatojoties uz Pindara himnām, tika izstrādāta slavēšana, dziedāta Dionīsijas svētkos (apmēram 600. gadā pirms mūsu ēras).

Mūzika ir bijusi neatņemama teātra izrāžu sastāvdaļa. Traģēdija apvienoja drāmu, deju un mūziku. Traģēdiju autori - Eshils, Sofokls, Eiripīds, tāpat kā sengrieķu liriskie dzejnieki, vienlaikus bija arī mūzikas radītāji. Attīstoties traģēdijai, tika iepazīstinātas ar gaismekļu un aktieru muzikālajām daļām.

Eiripīds savos darbos ierobežoja kora partiju ieviešanu, koncentrējoties uz aktieru un gaismotāju solo partijām, kas veidotas pēc tā sauktās jaunās uzslavas, kas izceļas ar lielisku individualizāciju, emocionalitāti, kustīgu, virtuozu raksturu.

Jaunā ditiramba stila veidotāji bija Filoksens no Kitheras un Timofejs Miletskis. Sengrieķu komēdiju autori literārā teksta pavadīšanai bieži izmantoja daudzstīgu citharas, un uzvedumā ieviesa tautasdziesmu melodijas.

Viduslaiku mūzika

Viduslaiku mūzika ir mūzikas kultūras attīstības periods, kas aptver laika posmu no aptuveni 5. līdz 14. gadsimtam A.D.

Eiropa

Viduslaikos Eiropā parādās jauns mūzikas kultūras veids - feodāls, apvienojot profesionālo mākslu, amatiermūziku un folkloru.

Tā kā baznīca dominē visās garīgās dzīves jomās, profesionālās muzikālās mākslas pamatā ir mūziķu darbība tempļos un klosteros.

Laicīgo profesionālo mākslu sākotnēji pārstāv tikai dziedātāji, kuri rada un izpilda episkas pasakas galmā, muižnieku mājās, karotāju vidū u.c. (bardi, skaldi utt.).

Laika gaitā attīstās amatieriskas un pusprofesionālas bruņniecības mūzikas veidošanas formas: Francijā - trubadūru un troveru māksla (Adam de la Hal, XIII gs.), Vācijā - minnesingeri (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII-XIII gs.), Kā arī pilsētu amatnieki. Feodālajās pilīs un pilsētās tiek kultivētas visdažādākās ģints, žanri un dziesmu formas (epika, "rītausma", rondo, le, virel, balādes, kanzonas, laudas u.c.).

Ikdienā ienāk jauni mūzikas instrumenti, arī tie, kas nākuši no austrumiem (alts, lauta u.c.), parādās ansambļi (nestabilas kompozīcijas). Folklora uzplaukst zemnieku vidē. Ir arī “tautas profesionāļi”: stāstnieki, klejojoši sintētiski mākslinieki (žonglieri, mīmi, minstrelles, špilmani, bifeļi).

Tradīciju un standartu nostiprināšanu, saglabāšanu un izplatīšanu (bet arī to pakāpenisku atjaunošanu) veicināja pāreja no neuma, kas tikai aptuveni norādīja uz melodiskās kustības raksturu, uz lineāru apzīmējumu (Guido d "Arezzo, XI gs.), Kas ļāva precīzi ierakstīt piķi un pēc tam to ilgumu.

Rietumeiropā no 6.-7. izveidojās stingri reglamentēta monofoniskas (monodiskas) baznīcas mūzikas sistēma, kuras pamatā bija diatoniskie režīmi (gregoriāņu dziedāšana), apvienojot deklamāciju (psalmodiju) un dziedāšanu (himnas).

1. un 2. gadu tūkstošu mijā rodas polifonija. Tiek veidoti jauni vokālie (kora) un vokāli instrumentālie (koris un ērģeles) žanri: ērģeles, motets, diriģēšana, pēc tam masa. Francijā XII gadsimtā Notre Dame katedrālē (Leonīns, Perotins) tika izveidota pirmā komponistu (radošā) skola.

Renesanses mijā (ars nova stils Francijā un Itālijā, XIV gs.) Profesionālajā mūzikā monofoniju aizstāj polifonija, mūzika sāk pakāpeniski atbrīvoties no tīri praktiskām funkcijām (baznīcas rituālu apkalpošana), laicīgo žanru nozīmes, ieskaitot dziesmas, tajā palielinās (Guillaume de Machaut).

Austrumeiropa un Āzija

Austrumeiropā un Aizkaukāzijā (Armēnijā, Gruzijā) veidojas viņu pašu muzikālā kultūra ar neatkarīgām režīmu, žanru un formu sistēmām.

Bizantijā, Bulgārijā, Kijevas Krievijā un vēlāk Novgorodā uzplaukst kulta znamenny dziedājums (Znamenny chant), kura pamatā ir diatonisko balsu sistēma, kas aprobežojas tikai ar tīri vokāliem žanriem (tropārija, stichera, himnas utt.). piezīmju (āķu) ierakstīšanas sistēma.

Tajā pašā laikā austrumos (arābu kalifāts, Vidusāzijas valstis, Irāna, Indija, Ķīna, Japāna) tika izveidota īpaša veida feodālā mūzikas kultūra. Tās pazīmes ir laicīgās (gan galma, gan tautas) profesionalitātes plašā izplatība, virtuoza rakstura iegūšana, mutiskās tradīcijas un monodisko (melodija bez pavadījuma) formu ierobežojums, tomēr sasniedzot augstu izsmalcinātību attiecībā uz melodiju un ritmu, ļoti stabilas nacionālās un starptautiskās muzikālās domāšanas sistēmas, kas apvieno stingri noteiktus režīmu veidus, žanrus, intonāciju un kompozīcijas struktūras (mugam, makam, raga u.c.).

Renesanses mūzika

Renesanses mūzika - periods Eiropas mūzikas attīstībā no aptuveni 1400. līdz 1600. gadam

Renesanses mūzika (1534-1600)

Venēcija, aptuveni no 1534. līdz aptuveni 1600. gadam, ir iespaidīgs daudzbalsīgs korpuss ar attīstītu stilu, kas līdz šim ir devis Eiropai dažas no lielākajām, skanīgākajām melodijām ar vairākiem dziedātāju, pūtēju un stīgu koriem dažādās Bazilikas telpiskajās vietās. no San Marco Di Venezia (Venēcijas skola).

Romas skolu pārstāvēja Romas pārsvarā baznīcas mūzikas komponistu grupa, kas aptvēra vēlās renesanses un agrīnā baroka laikmetus. Slavenākais romiešu skolu komponists bija Džovanni Pjerluidži da Palestrīna, kura vārds četrus simtus gadu ir saistīts ar gludu, skaidru, daudzbalsīgu pilnību.

Īss, bet intensīvs mūzikas ziedu laiks sasniedza Anglijas madrigālu, galvenokārt no 1588. līdz 1627. gadam, kā arī komponistus, kuri to dzemdēja. Angļu madrigāli ir kapela, galvenokārt gaismā un stilā, un parasti tie sākās kā itāļu modeļu kopijas vai tiešie tulkojumi. Lielākajai daļai no viņiem bija trīs līdz sešas balsis.

Musica reservata ir stils vai prakse, ko izpilda vokālās mūzikas kapela, galvenokārt Itālijā un Vācijas dienvidos, ieskaitot izsmalcinātību un intensīvu emocionālu izpausmi, dziedātos tekstus.

Turklāt 17. gadsimta pirmajā pusē daudzi komponisti savos darbos nodemonstrēja Prima Pratika (polifoniskā renesanses mūzika) un Seconda Pratika (jaunā stila mūzika).

Baroka mūzika

Baroka mūzika ir periods Eiropas klasiskās mūzikas attīstībā no aptuveni 1600. līdz 1750. gadam.

Baroka mūzika parādījās renesanses beigās un bija pirms klasicisma laikmeta mūzikas.

Baroka laika rakstīšanas un izpildīšanas metodes ir kļuvušas par neatņemamu un ievērojamu klasiskā mūzikas kanona sastāvdaļu.

Ir stipri attīstīti tādi jēdzieni kā mūzikas teorija, diatoniskā tonalitāte un imitācijas kontrapunkts. Mūzikas ornaments ir kļuvis ļoti izsmalcināts, mūzikas notācija ir ļoti mainījusies, ir izveidojušās instrumentu spēles metodes. Ir paplašinājies žanru loks, palielinājusies mūzikas darbu izpildes sarežģītība, parādījies tāds kompozīcijas veids kā opera. Mūsdienās joprojām tiek izmantots liels skaits baroka laikmeta mūzikas terminu un jēdzienu.

Baroka laikmetā dzima tādi izcili darbi kā Johana Sebastiana Baha fūgas, Hallelujas koris no Georga Frīdriha Hendeļa oratorijas Mesija, Antonio Vivaldi četri gadalaiki un Klaudio Monteverdi Vakarēdiens.

Par nosacītu pārejas punktu starp baroka un renesanses laikmetu var uzskatīt itāļu komponista Klaudio Monteverdi (1567-1643) radīto recitācijas stilu un konsekventu itāļu operas attīstību. Operas izrāžu sākums Romā un jo īpaši Venēcijā nozīmēja jaunā žanra atpazīstamību un izplatību visā valstī.

Renesanses laika komponisti pievērsa uzmanību katras mūzikas skaņdarba daļas izstrādei, gandrīz nepievēršot uzmanību šo daļu salīdzināšanai. Individuāli katra daļa varētu izklausīties lieliski, taču harmoniskais papildinājuma rezultāts bija vairāk nejaušības jautājums nekā noteikums.

Figurālā basa parādīšanās liecināja par būtiskām izmaiņām muzikālajā domāšanā - proti, ka harmonija, kas ir “daļu salikšana kopā”, ir tikpat svarīga kā pašas polifonijas melodiskās daļas. Arvien vairāk polifonijas un harmonijas izskatījās kā vienas un tās pašas idejas veidot eifonisku mūziku divas puses: komponējot harmoniskajām secībām, radot disonansi, tika pievērsta tāda pati uzmanība kā tritoniem.

Itālija kļūst par jauna stila centru. Pāvesta amats, kaut arī tika notverts cīņā pret reformāciju, bet tam tomēr bija milzīgi finanšu resursi, ko papildināja Habsburgu militārās kampaņas, meklēja iespējas izplatīt katoļu ticību, paplašinot kultūras ietekmi.

Viens no svarīgākajiem mūzikas mākslas centriem bija Venēcija, kas tajā laikā bija gan laicīgās, gan baznīcas patronāža.

Agrīnais baroks

Ievērojama agrīnā baroka perioda figūra, kuras nostāja bija katolicisma pusē, iebilstot pret protestantisma pieaugošo ideoloģisko, kultūras un sociālo ietekmi, bija Džovanni Gabrieli. Viņa darbi pieder pie "augstās renesanses" stila (renesanses ziedu laiki). Tomēr daži viņa jauninājumi instrumentēšanas jomā (noteikta instrumenta piešķiršana saviem, specifiskajiem uzdevumiem) skaidri norāda, ka viņš bija viens no komponistiem, kas ietekmēja jauna stila rašanos.

Viena no baznīcas prasībām sakrālās mūzikas komponēšanai bija, lai teksti ar darbiem ar vokālu būtu salasāmi. Tas prasīja pāreju no polifonijas uz mūzikas paņēmieniem, kur priekšplānā izvirzījās vārdi. Vokāls, salīdzinot ar pavadījumu, ir kļuvis sarežģītāks, krāšņāks. Tā attīstījās homofonija.

Monteverdi kļuva par visredzamāko komponistu paaudzes vidū, kuri izjuta šo pārmaiņu nozīmi laicīgajā mūzikā. 1607. gadā viņa opera Orfejs iezīmēja pagrieziena punktu mūzikas vēsturē, demonstrējot daudzas metodes un paņēmienus, kas vēlāk kļuva saistīti ar jaunu kompozīcijas skolu, ko sauc par seconda pratica, atšķirībā no vecās skolas jeb prima pratica. Monteverdi, kurš komponēja augstas kvalitātes vecā stila motetus, kas attīstījās pēc Luka Marenzio un Džaiša de Vērta idejām, bija meistars abās skolās. Bet tieši viņa rakstītie darbi jaunajā stilā atklāja daudzas tehnikas, kas ir atpazīstamas pat vēlā baroka laikmetā.

Lielu ieguldījumu jaunu tehniku ​​izplatīšanā sniedza vācu komponists Heinrihs Šits (1585-1672), kurš studēja Venēcijā. Viņš savā darbā izmantoja jaunas tehnikas, kalpojot par kormeistari Drēzdenē.

Nobriedusi baroka mūzika (1654-1707)

Nobriedis baroks no agrīnā baroka atšķiras ar jaunā stila plašu izplatību un pastiprinātu mūzikas formu nodalīšanu, īpaši operā. Tāpat kā literatūrā, straumēšanas mūzikas drukāšanas parādīšanās ir radījusi auditorijas paplašināšanos; pastiprināta apmaiņa starp mūzikas kultūras centriem.

Mūzikas teorijā nobriedušo baroku nosaka komponistu pievēršanās harmonijai un mēģinājumi radīt saskaņotas muzikālās izglītības sistēmas. Turpmākajos gados tas noveda pie daudzu teorētisko darbu parādīšanās. Ievērojams šādas darbības piemērs ir vēlā baroka laika darbs - "Gradus ad Parnassum" (krievu val. Soļi līdz Parnasam), ko 1725. gadā publicēja austrietis Johans Džozefs Fukss (vācu: Johann Joseph Fux) (1660-1741). komponists, teorētiķis. Šī eseja, kurā sistematizēta kontrapunkta teorija, gandrīz līdz 19. gadsimta beigām bija vissvarīgākais instruments kontrapunkta izpētei.

Izcils Luija XIV galma galma komponistu pārstāvis bija Džovanni Batista Lulli (1632-1687). Jau 21 gada vecumā viņš saņēma titulu "instrumentālās mūzikas galma komponists". Lully radošā darbība jau no paša sākuma bija cieši saistīta ar teātri. Pēc galma kamermūzikas organizēšanas un kompozīcijas "airs de cour" viņš sāka rakstīt baleta mūziku. Pats Luijs XIV dejoja baletos, kas tolaik bija galma muižnieku iecienītākā izklaide. Lulijs bija izcils dejotājs. Viņam bija iespēja piedalīties iestudējumos, dejot kopā ar karali. Viņš ir pazīstams ar savu sadarbību ar Moljēru, kura lugām viņš rakstīja mūziku. Bet galvenais Lulles darbā joprojām bija operu rakstīšana. Pārsteidzoši, Lully izveidoja pilnīgu franču operas veidu; tā saukto lirisko traģēdiju Francijā (fr. tragedie lyrique), un neapšaubāmu radošo briedumu sasniedza jau pirmajos darba gados operas namā. Viņa darba neatņemama sastāvdaļa bija uzmanība harmonijai un solo instrumentam.

Komponists un vijolnieks Arkangelo Korelli (1653-1713) ir pazīstams ar savu darbu koncerta grosso žanra attīstībā. Corelli bija viens no pirmajiem komponistiem, kura darbi tika publicēti un izpildīti visā Eiropā. Tāpat kā Lulli operas kompozīcijas, concerto grosso žanrs ir veidots uz spēcīgiem kontrastiem; instrumenti ir sadalīti tajos, kas piedalās pilna orķestra skanējumā, un mazākā solo grupā. Mūzika ir balstīta uz pēkšņām pārejām no skaļi skanīgām daļām uz klusām, ātras rindas ir pretstatā lēnām. Viņa sekotāju vidū bija Antonio Vivaldi, kurš vēlāk komponēja simtiem darbu, pamatojoties uz Corelli iecienītākajām formām: trio sonātes un koncertus.

Anglijā nobriedušo baroku iezīmēja spožais Henrija Pursela ģēnijs (1659-1695). Viņš nomira jauns, 36 gadu vecumā, uzrakstījis lielu skaitu darbu un kļuva plaši pazīstams dzīves laikā. Purcell strādāja plašā žanru klāstā; no vienkāršām reliģiskām himnām līdz gājiena mūzikai, no lielformāta vokālajām kompozīcijām līdz skatuves mūzikai. Viņa katalogā ir vairāk nekā 800 darbu. Purcell bija viens no pirmajiem taustiņinstrumentu komponistiem, kura ietekme sniedzas līdz mūsdienām.

Atšķirībā no iepriekš minētajiem komponistiem Dītrihs Bukstehūda (1637-1707) nebija galma komponists. Bukstehūda strādāja par ērģelnieku, vispirms Helsingborgā (1657-1658), pēc tam Elsinorā (1660-1668) un pēc tam, sākot ar 1668. gadu, Sv. Marija Ļubekā. Viņš pelnīja nevis publicējot savus darbus, bet izpildot tos, un deva priekšroku muižniecības patronāžai, komponējot mūziku baznīcas tekstiem un izpildot savus ērģeļu darbus. Diemžēl ne visi šī komponista darbi ir saglabājušies. Bukstehudes mūzika lielā mērā ir balstīta uz ideju skalu, iztēles bagātību un brīvību, tieksmi uz patosu, drāmu, dažām oratoriskām intonācijām. Viņa darbam ir bijusi spēcīga ietekme uz tādiem komponistiem kā J.S.Bahs un Telemans.

Vēlā baroka mūzika (1707-1760)

Precīza robeža starp nobriedušu un vēlu baroku ir diskusiju jautājums; tas atrodas kaut kur starp 1680. un 1720. gadu.

Par svarīgu pavērsienu var uzskatīt gandrīz absolūtu tonalitātes pārākumu kā mūzikas komponēšanas strukturēšanas principu. Tas ir īpaši pamanāms Žana Filipa Ramē teorētiskajos darbos, kurš ieņēma Lulli kā galveno franču komponistu. Tajā pašā laikā, parādoties Fuksa darbiem, Renesanses polifonija deva pamatu kontrapunkta izpētei. Modālā kontrapunkta kombinācija ar ritmu tonālo loģiku radīja sajūtu, ka mūzikā ir divi komponēšanas stili - homofoniskais un polifoniskais, ar imitācijas paņēmieniem un kontrapunktu.

Iepriekšējā periodā atklātās formas ir sasniegušas briedumu un lielu mainīgumu; koncertam, svitam, sonātei, concerto grosso, oratorijai, operai un baletam vairs nebija nekādu krasi izteiktu nacionālu īpašību. Vispārpieņemtās darbu shēmas ir plaši pieņemtas: atkārtotā divdaļīgā forma (AABB), vienkāršā trīsdaļīgā forma (ABC) un rondo.

Antonio Vivaldi (1678-1741) - itāļu komponists, dzimis Venēcijā. 1703. gadā viņš tika ordinēts par katoļu priesteri. Tā paša gada pirmajā decembrī viņš kļuva par maestro di violino Venēcijas bērnu namā meitenēm Pio Ospedale della Pieta. Vivaldi slavu nesniedza koncertizrādes vai sakari tiesā, bet gan viņa darba publikācijas, kurās bija iekļautas viņa trio sonātes, vijoles sonātes un koncerti. Tie tika publicēti Amsterdamā un plaši izplatīti visā Eiropā. Tieši šajos, vienlaikus attīstot instrumentālos žanrus (baroka sonāte un baroka koncerts), Vivaldi deva savu nozīmīgāko ieguldījumu. Vivaldi mūzikai raksturīgas noteiktas tehnikas: trīsdaļīga cikliska forma koncertgrosso un riturneli izmantošana ātrajās partijās. Vivaldi ir sacerējis vairāk nekā 500 koncertu. Viņš arī piešķīra programmu nosaukumus dažiem saviem darbiem, piemēram, slavenajiem Gadalaikiem. Vivaldi karjera parāda komponista palielinātās iespējas pastāvēt patstāvīgi: no ienākumiem no koncertdarbības un viņa darbu publicēšanas.

Domeniko Skarlati (1685-1757) bija viens no sava laika vadošajiem taustiņinstrumentu komponistiem un izpildītājiem. Viņš sāka galma komponista karjeru; vispirms Portugālē un kopš 1733. gada Madridē, kur pavadīja visu atlikušo mūžu. Viņa tēvs Alesandro Skarlati tiek uzskatīts par Neapoles operas skolas dibinātāju. Domeniko komponēja arī operas un baznīcas mūziku, bet viņa slavu (pēc viņa nāves) nodrošināja viņa darbi taustiņinstrumentiem. Daļu no šiem darbiem viņš uzrakstīja sava prieka pēc, dažus saviem dižciltīgajiem klientiem.

Bet varbūt slavenākais galma komponists bija Georgs Frīdrihs Hendelis (1685-1759). Viņš ir dzimis Vācijā, trīs gadus studējis Itālijā, bet 1711. gadā pametis Londonu, kur uzsācis savu spožo un komerciāli veiksmīgo neatkarīgā operas komponista karjeru, pildot muižnieku pasūtījumus. Ar nenogurstošu enerģiju Hendelis pārstrādāja citu komponistu materiālus un pastāvīgi pārstrādāja pats savus skaņdarbus. Piemēram, viņš ir pazīstams ar to, ka tik daudz reižu pārskatījis slaveno Mesijas oratoriju, ka tagad nav versijas, ko varētu saukt par “autentisku”. Neskatoties uz to, ka viņa finansiālais stāvoklis uzlabojās un samazinājās, viņa slava, kuras pamatā bija publicētie darbi taustiņinstrumentiem, ceremoniālajai mūzikai, operām, koncertiem grosso un oratorijām, turpināja augt. Pēc nāves viņš tika atzīts par vadošo Eiropas komponistu, un to pētīja klasicisma laikmeta mūziķi. Hendelis savā mūzikā ir sajaucis bagātas improvizācijas tradīcijas un kontrapunktu. Mūzikas apdares māksla savos darbos sasniedza ļoti augstu attīstības līmeni. Viņš apceļoja visu Eiropu, lai studētu citu komponistu mūziku, saistībā ar kuru viņam bija ļoti plašs paziņu loks citu stilu komponistu vidū.

No Francijas komponistiem izceļas Otteter, slavenā traktāta par flautas spēli (1707), traktāta par improvizāciju (1719) un musetes spēles rokasgrāmatas (1737) autors, izcils flautists. Slavenākie Ottetera darbi ir svītas flautai un basam, skaņdarbi solo flautai un divām flautām, trio sonātes

1802. gadā Johans Nikolajs Forkels publicēja pirmo vispilnīgāko Johana Sebastiana Baha biogrāfiju. 1829. gadā Fēlikss Mendelsons Berlīnē atskaņoja Baha Metjū pasiju. Šī koncerta panākumi izraisīja milzīgu interesi par Baha mūziku Vācijā un pēc tam visā Eiropā.

Johans Sebastians Bahs dzimis 1685. gada 21. martā Eizenahā, Vācijā. Savas dzīves laikā viņš sacerējis vairāk nekā 1000 darbu dažādos žanros, izņemot operu. Bet dzīves laikā viņš nesasniedza nekādus nozīmīgus panākumus. Pārvietojoties daudzas reizes, Bahs mainīja vienu ne pārāk augstu amatu pēc otra: Veimārā viņš bija Veimāras hercoga Johana Ernsta galma mūziķis, pēc tam kļuva par ērģeļu turētāju Sv. Bonifācija Arnštatē, dažus gadus vēlāk pieņēma ērģelnieka amatu Sv. Blasius Mühlhausen, kur viņš strādāja tikai apmēram gadu, pēc tam atgriezās Veimārā, kur ieņēma galma ērģelnieka un koncertu rīkotāja vietu. Šajā amatā viņš palika deviņus gadus. 1717. gadā Anhaltes-Kētenas hercogs Leopolds pieņēma Bahu par Kapellmeisteru, un Bahs sāka dzīvot un strādāt Ķetenē. 1723. gadā Bahs pārcēlās uz Leipcigu, kur palika līdz savai nāvei 1750. Pēdējos dzīves gados un pēc Baha nāves viņa kā komponista slava sāka samazināties: viņa stils tika uzskatīts par vecmodīgu, salīdzinot ar plaukstošo klasicismu. Viņš bija labāk pazīstams un atcerējās kā izpildītājs, skolotājs un tēvs jaunākajam Baham, galvenokārt Kārlim Filipam Emanuelam, kura mūzika bija labāk pazīstama.

Tikai Mendelsona Svētā Mateja pasijas izrāde, 79 gadus pēc J. S. Baha nāves, atdzīvināja interesi par viņa darbu. J. S. Bahs tagad ir viens no visu laiku populārākajiem komponistiem (piemēram, Bahs ieguva pirmo vietu balsojumā "Tūkstošgades labākais komponists" vietnē Cultureciosque.com).

Citi vadošie vēlā baroka komponisti ir Georgs Filips Telemans (1681-1767) un Žans Filips Ramū (1683-1764).

Klasicisma perioda mūzika

Klasicisma perioda mūzika - Eiropas mūzikas attīstības periods aptuveni no 1730. līdz 1820. gadam

Klasicisma jēdziens mūzikā ir nepārtraukti saistīts ar Haidna, Mocarta un Bēthovena daiļradi, saukts par Vīnes klasiku un noteicis virzienu mūzikas kompozīcijas tālākai attīstībai.

Tieši šajā periodā beidzot tika izveidota sonātes forma, balstoties uz divu kontrastējošu tēmu attīstību un opozīciju, tika noteikts sonātes un simfonijas daļu klasiskais sastāvs.

Klasicisma periodā parādījās stīgu kvartets, kas sastāvēja no divām vijolēm, altas un čella, orķestra sastāvs tika ievērojami paplašināts.

Romantisms

Romantisms - mūzikas attīstības periods no 1820. gada līdz divdesmitā gadsimta sākumam

Romantisms ir ideoloģiska un mākslinieciska tendence Eiropas un Amerikas kultūrā 18. gadsimta beigās - 19. gadsimta 1. pusē.

Mūzikā romantisms veidojās 18. gadsimta 20. gados. un saglabāja savu nozīmi līdz XX gadsimta sākumam. Romantisma vadošais princips ir parastā un sapņa asā pretestība, ikdienas eksistence un augstākā ideālā pasaule, ko radījusi mākslinieka radošā iztēle.

Sākotnēji romantisms darbojās kā principiāls klasicisma pretinieks. Seno ideālu pretstatīja viduslaiku mākslai, tālu eksotiskām valstīm. Romantisms atklāja tautas mākslas dārgumus - dziesmas, pasakas, leģendas. Tomēr romantisma pretstats klasicismam joprojām ir relatīvs, jo romantiķi pārņēma un attīstīja klasikas sasniegumus. Daudzus komponistus lielā mērā ietekmēja pēdējā Vīnes klasiķa - L. Bēthovena - darbs.

Romantisma principus apstiprināja izcili komponisti no dažādām valstīm. Tie ir K.M.Vēbers, G.Berliozs, F.Mendelsons, R.Šūmanis, F.Šopēns, F.Šūberts F.Lists. R. Vāgners J. Verdi

Romantiskam mūziķim process ir svarīgāks par rezultātu, svarīgāks par sasniegumu. No vienas puses, tie tiecas uz miniatūru, ko bieži iekļauj citu, parasti, dažādu lugu ciklā; no otras puses, viņi apgalvo brīvas kompozīcijas romantisku dzejoļu garā. Tieši romantiķi izstrādāja jaunu žanru - simfonisko dzejoli. Romantisko komponistu ieguldījums simfonijas, operas un baleta attīstībā ir arī ārkārtīgi liels.

Starp 19. gadsimta 2. puses - 20. gadsimta sākuma komponistiem: kuru darbā romantiskās tradīcijas veicināja humānistisko ideju iedvesmu - I. Brāmss, A. Brukners, G. Mālers, R. Štrauss, E. Grīgs, B. Smetana, A. Dvoržāks un citi

Krievijā gandrīz visi lielie krievu klasiskās mūzikas meistari ir izrādījuši cieņu romantismam. Romantiskās attieksmes loma ir lieliska krievu mūzikas klasikas pamatlicēja MI Glinkas darbos, īpaši viņa operā Ruslans un Ludmila.

Viņa lielo pēcteču darbos ar vispārēju reālistisku ievirzi romantisku motīvu loma bija nozīmīga. Tie atspoguļoti vairākās N. A. Rimskija-Korsakova pasaku operās, P. I. Čaikovska un filmas "Varenā sauja" komponistu simfoniskajos dzejoļos.

Romantiskais sākums caurvij A. N. Skrjabina un S. V. Rahmaņinova darbus.

20. gadsimta mūzika

20. gadsimta mūzika ir vispārīgs 19. gadsimta beigu un 20. gadsimta sākuma mākslas tendenču grupas apzīmējums. 20. gadsimts, jo īpaši modernisms, kas darbojas saskaņā ar modernitātes, inovācijas devīzi. Šajās kustībās ietilpst arī ekspresionisms, konstruktīvisms, neoklasicisms, kā arī dodekafonija, elektroniskā mūzika utt.

Modernisms

Mūzika no 1910. līdz 1960. gadam

Divdesmitais gadsimts ir laiks, kad tehnoloģijas mainīja pasauli. Mūzika kā neatņemama cilvēka dzīves sastāvdaļa ir piedzīvojusi arī globālas izmaiņas. Komponisti ir apgāzuši daudzus pagātnes mūzikas noteikumus un atraduši jaunas, drosmīgas tēmas un jaunus to izpausmes veidus.

Viena no ievērojamām figūrām, kas mainīja mūziku gadsimta pirmajā pusē, bija austrietis un pēc tam amerikāņu komponists, diriģents un muzikologs Arnolds Šēnbergs. Viņa vadītā mūziķu grupa nolēma, ka tonālā mūzika (proporcionālo akordu loģiskā konstrukcija) ir sevi izsmēlusi, un piedāvāja tā saukto atonālo mūziku un 12 toņu kompozīcijas sistēmu (pazīstama kā "dodekafonija" vai "sērijas tehnika"). ). Šāda mūzika pārstāja būt melodiska un harmoniska, ne visi komponisti pieņēma viņu idejas.

Ekspresionisms

Ekspresionisms - izveidojās 20. gadsimta 1. desmitgadē

Ekspresionisms mūzikā veidojās 20. gadsimta pirmajā desmitgadē; vairāki tās elementi izpaudās G. Mālera pēdējos darbos ("Zemes dziesma", 1908; 9., 1909. un nepabeigtā 10. simfonija) un operās. R. Štrauss (Salome, 1905; Electra, 1908).

Tomēr lielākā mērā tas ir saistīts ar tā saukto komponistu darbu. jaunā Vīnes skola - A. Šēnbergs (skolas vadītājs), A. Bergs un A. Vēbers. Šēnbergs, kurš savu ceļojumu sāka ar darbiem, kas bija tuvu vēlajam romantismam, nolēma noraidīt romantiskos ideālus, kurus aizstāja nepārprotamas trauksmes noskaņas, bailes no realitātes, pesimisms un skepse.

Šīs tendences komponisti ir izstrādājuši virkni īpašu mūzikas izteiksmes līdzekļu; viņi atteicās no plašām melodiskām melodijām un skaidriem toņu pamatiem; atonalitātes princips veicināja nestabilu prāta stāvokļu un neizskaidrojamas neskaidras trauksmes izpausmi.

Daudzi darbi izceļas ar lakonismu, sniedzot tikai mājienus par jebkuru tēlu vai emocionālu pieredzi (Vēberna ciklā "5 skaņdarbi orķestrim", 1910. gads, dažas daļas ilgst mazāk nekā 1 minūti.)

Dodekafoniskajā tehnikā rakstītie darbi ir balstīti uz dažādiem atkārtojumiem t.s. sērija, kas, pēc šīs skolas pārstāvju domām, ir baroka un agrīnā klasicisma mūzikas veidošanas principu izstrāde.Viens no agrākajiem tipiskajiem piemēriem ir Šēnberga monodrāma "Gaida" (1909).

Vēberna darbā E. atdzimst citā stilistiskā veidojumā, kurā dominē abstrakts racionālistisks konstruktīvs princips. Tāpēc tieši Vēbers tika atzīts par pēckara muzikālā avangarda priekšteci.

Atonālā mūzika (grieķu a - negatīva daļiņa; burtiski - netonāla mūzika), jēdziens, kas attiecas uz mūziku, kurai nav skaņu tonālās organizācijas. Tas radās 1900. gadu sākumā. un bija saistīts ar jaunās Vīnes skolas komponistu darbu (A. Šēnbergs, A. Bergs, A. Vēbers). A. m galvenā iezīme ir toņu vienojošās attiecības neesamība ar režīma galveno centru - toniku. Līdz ar to - muzikālās runas amorfums, harmonijas strukturālo funkciju sabrukums, skaņas disonējošais līmenis utt.

1922. gadā Šēnbergs izgudroja kompozīcijas metodi “ar 12 toņiem, kas korelē tikai viens ar otru” (vēlāk saukta par dodekafoniju), kuras uzdevums bija ieviest stingru kārtību arheoloģijas anarhijā. A. m. Pamatojas uz daudzām kompozīcijas sistēmām, kas iekļautas avangarda mākslas arsenālā. A. m. Estētiskie principi ir cieši saistīti ar ekspresionismu. Arheoloģijas metode, paņēmieni un elementi ir atrodami dažādu virzienu komponistu vidū (C. Ive, B. Britten, B. Bartok, A. Honegger u.c.).

Konstruktīvisms

Konstruktīvisms izpaužas kā stingru, krasi nesakritīgu akordu, sinhronizētu, salauztu ritmisku figūru kombinācija. Džeza skaņas bieži tiek izmantotas konstruktīvisma mūzikā. Neskatoties uz strīdiem, kas šajā virzienā uzliesmoja karsti, konstruktīvisms kā stils joprojām ir dzīvs un pelnīti cienīts. Ārkārtēja tendence 20. gadsimta mākslā, kas bija īpaši izplatīta pēc Pirmā pasaules kara.

Konstruktīvismu raksturo mašīnas kults, tas depersonalizē cilvēku, pazemina vai pilnībā noliedz mākslas ideoloģisko un emocionālo saturu. Piemērojot mūzikai, tas samazina radošumu līdz skaņas formu "konstruēšanai", dažādu mūzikla elementu apvienošanai

Neoklasicisms

Neoklasicisms ir 20. gadsimta muzikālās jaunrades tendence, cenšoties atdzīvināt klasiskā perioda mūzikas mākslinieciskos tēlus, formas un stilistiskās ierīces, kurām šajā gadījumā pieder dažādas 18. gadsimta mūzikas skolas. un agrākos gadsimtos.

Neoklasicisms mūzikā bija divdesmitā gadsimta tendence, kas bija īpaši aktuāla starp diviem pasaules kariem, kuru laikā komponisti centās atgriezties pie estētiskajiem priekšrakstiem, kas saistīti ar plaši definēto „klasicisma” jēdzienu, proti, kārtību, līdzsvaru, skaidrību, ekonomiku un emocionāls ierobežojums.

Arī neoklasicisms bija reakcija pret neierobežotu emocionālismu un izjuta pēdējā romantisma bezveidību, kā arī "aicinājums pēc kārtības" pēc divdesmitā gadsimta pirmo divu desmitgažu eksperimentālā fermenta.

Pēc formas un tematiskās tehnikas neoklasicisma mūzika bieži iedvesmojās no 18. gadsimta mūzikas, lai gan iedvesmojošais kanons tik bieži piederēja baroka un pat agrākajiem laikmetiem saistībā ar klasisko periodu, tāpēc mūzika, kas iedvesmojas tieši no baroka, dažreiz sauc par neo kaprīzu ....

Neoklasicismam bija divas atšķirīgas nacionālās attīstības līnijas - franču valoda (Ērika Satī ietekmes izcelsme, ko pārstāvēja Igors Stravinskis) un vācu valoda (Ferručo Busoni "jaunā objektīvisma" izcelsme un Pols Hindemits.) Neoklasicisms bija estētiska tendence. , nevis organizēta kustība.; pat daudziem komponistiem parasti neienāk prātā, kā "neoklasicisti" ir absorbējuši stila elementus.

Turpinot rakstu sēriju par mūzikas teoriju, mēs vēlamies jums pastāstīt par to, kā veidojās un attīstījās žanri mūzikā. Pēc šī raksta jūs nekad vairs nejauksit mūzikas žanru ar mūzikas stilu.

Tātad, vispirms apskatīsim, kā atšķiras jēdzieni “žanrs” un “stils”. žanrs Tas ir darba veids, kas attīstījies vēsturiski. Tas nozīmē mūzikas formu, saturu un mērķi. Mūzikas žanri sāka veidoties mūzikas attīstības agrīnā stadijā, primitīvu kopienu sistēmā. Tad mūzika pavadīja katru cilvēka darbības soli: ikdienu, darbu, runu utt. Tādējādi tika izveidoti galvenie žanra principi, kurus mēs analizēsim tālāk.

Stils tas nozīmē arī materiālu summu (harmonija, melodija, ritms, polifonija), veidu, kādā tie tika izmantoti mūzikas gabalā. Raksturīgi, ka stils ir balstīts uz konkrēta laikmeta ietekmi vai tiek klasificēts atbilstoši komponistiem. Citiem vārdiem sakot, stils ir mūzikas izteiksmes līdzekļu kolekcija, kas nosaka mūzikas tēlu un ideju. Tas var būt atkarīgs no komponista personības, viņa pasaules redzējuma un gaumes un pieejas mūzikai. Arī stils nosaka mūzikas tendences, piemēram, džezs, pops, roks, tautas stils un tā tālāk.

Tagad atgriezīsimies pie mūzikas žanriem. Ir pieci galvenie žanra principi, kas, kā mēs teicām, radās primitīvās kopienās:

• Motora jauda
• Deklamācija
• Skandēšana
• Signalizēšana
• Skaņas attēlveidošana

Tie kļuva par pamatu visiem turpmākajiem žanriem, kas parādījās, attīstoties mūzikai.

Diezgan drīz pēc galveno žanra principu veidošanās žanrs un stils sāka savīties vienotā sistēmā. Šādas žanra stila sistēmas tika veidotas atkarībā no gadījuma, kuram mūzika tika radīta. Tā parādījās žanra stila sistēmas, kuras tika izmantotas noteiktos senos kultos, senos rituālos un ikdienas dzīvē. Žanram bija lietišķāks raksturs, kas veidoja noteiktu senās mūzikas tēlu, stilu un kompozīcijas iezīmes.

Uz Ēģiptes piramīdu sienām un izdzīvojušajiem senajiem papīriem tika atrastas rituālu un reliģisko himnu rindas, kas visbiežāk stāstīja par seno ēģiptiešu dieviem.

Tiek uzskatīts, ka senā mūzika savu augstāko attīstības punktu ieguva tieši Senajā Grieķijā. Tieši sengrieķu mūzikā tika atklāti noteikti modeļi, uz kuriem balstījās tās struktūra.

Attīstoties sabiedrībai, attīstījās arī mūzika. Viduslaiku kultūrā jau ir izveidojušies jauni vokālie un vokāli instrumentālie žanri. Šajā laikmetā Eiropā radās tādi žanri kā:

• Organum ir agrākais daudzbalsīgās mūzikas veids Eiropā. Šis žanrs tika izmantots baznīcās, un tas uzplauka Parīzes Notre Dame skolā.
• Opera ir muzikāls un dramatisks darbs.
• Chorale - liturģiskā katoļu vai protestantu dziedāšana.
• Motets ir vokāls žanrs, kas tika izmantots gan baznīcas, gan saviesīgos pasākumos. Viņa stils bija atkarīgs no teksta.
• Condukt ir viduslaiku dziesma, kuras teksti visbiežāk bija garīgi un moralizējoši. Līdz šim viņi nevar precīzi atšifrēt diriģentu viduslaiku notis, jo tām nebija noteikta ritma.
• Mise ir liturģisks dievkalpojums katoļu baznīcās. Rekviēms ir iekļauts arī šajā žanrā.
• Madrigal ir neliels darbs par liriskām mīlestības tēmām. Šis žanrs radās Itālijā
• Šansons - šī žanra izcelsme ir Francijā, un sākotnēji tam piederēja zemnieku kora dziesmas.
• Pavana - plūstošā deja, kas atklāja svētkus Itālijā
• Galliarda ir jautra un ritmiska deja arī no Itālijas
• Allemande - gājiena deja, kas radusies Vācijā

V XVII-XVIII gadsimtiem Ziemeļamerikā lauku mūzika - kantrī mūzika - attīstījās diezgan aktīvi. Šo žanru lielā mērā ietekmē īru un skotu tautas mūzika. Šādu dziesmu vārdi bieži stāstīja par mīlestību, lauku dzīvi un kovboju dzīvi.

19. gadsimta beigās un 20. gadsimta sākumā folklora Latīņamerikā un Āfrikā attīstījās diezgan aktīvi. Āfrikas amerikāņu sabiedrībā parādās blūzs, kas sākotnēji bija "darba dziesma", kas pavadīja darbu šajā jomā. Blūza pamatā ir arī balādes un reliģiski dziedājumi. Blūzs veidoja pamatu jaunam žanram - džezam, kas ir Āfrikas un Eiropas kultūru sajaukuma rezultāts. Džezs ir kļuvis diezgan izplatīts un plaši atzīts.

Balstoties uz džezu un blūzu, 40. gadu beigās parādījās dziesmu un deju žanrs, ritms un blūzs (R'n'B). Viņš bija diezgan populārs jauniešu vidū. Pēc tam šī žanra ietvaros parādījās funk un soul.

Interesanti, ka līdzās šiem afroamerikāņu žanriem 20. gados parādījās popmūzikas žanrs. Šī žanra saknes meklējamas tautas mūzikā, ielu romancēs un balādēs. Popmūzika vienmēr ir sajaukta ar citiem žanriem, veidojot diezgan interesantus mūzikas stilus. 70. gados diskotēkas stils parādījās kā daļa no popmūzikas, kas kļuva par tajā laikā populārāko deju mūziku, aizēnojot rokenrolu.

50. gados roks pārrāvās jau esošo žanru rindās, kuru pirmsākumi meklējami blūzā, folkā un kantrī. Tas ātri kļuva ļoti populārs un paplašinājās daudzos dažādos stilos, sajaucoties ar citiem žanriem.

Desmit gadus vēlāk Jamaikā izveidojās regeja žanrs, kas plaši izplatījās 70. gados. Regeja pamatā ir mento - Jamaikas tautas mūzikas žanrs.

70. gados parādījās reps, kuru Jamaikas dīdžeji “eksportēja” uz Bronksu. Repa dibinātājs ir DJ Kool Herc. Sākotnēji reps tika lasīts prieka pēc, lai izmestu savas emocijas. Šī žanra pamatā ir bīts, kas nosaka recitīva ritmu.

20. gadsimta otrajā pusē elektroniskā mūzika nostiprinājās kā žanrs. Dīvaini, ka tā nesaņēma atzinību divdesmitā gadsimta sākumā, kad parādījās pirmie elektroniskie instrumenti. Šis žanrs ietver mūzikas radīšanu, izmantojot elektroniskos mūzikas instrumentus, tehnoloģijas un datorprogrammas.

Žanriem, kas parādījās 20. gadsimtā, ir daudz stilu. Piemēram:

Džezs:

• Ņūorleānas džezs
• Diksilends
• Šūpoles
• Rietumu šūpoles
• Bop
• Ciets bops
• Boogie Woogie
• Foršs vai vēss džezs
• Modāls vai modāls džezs
• Avangarda džezs
• Soul džezs
• Bezmaksas džezs
• Bossa nova jeb Latīņamerikas džezs
• Simfoniskais džezs
• Progresīvs
• Fusion vai džeza roks
• Elektriskais džezs
• Skābais džezs
• Krustojums
• Gluds džezs

• Kabarē
• Minstrela šovs
• Mūzikas zāle
• Mūzikls
• Ragtime
• Atpūtas telpa
• Klasisks krosovers
• Psihodēlisks pops
• Italo diskotēka
• Eurodisco
• Augsta enerģija
• Nu-disco
• Kosmosa diskotēka
• Jā-jā
• K-pop
• Eiropops
• Arābu popmūzika
• Krievu popmūzika
• Rigsar
• Laika
• Latino popmūzika
• J-pop

• Rokenrols
• Lielais Bits
• Rockabilly
• Cycobilly
• Neorocabilly
• Skiffle
• Doo-wop
• Vērpjot
• Alternatīvais roks (indie rock / College rock)
• Mat roks
• Madčestera
• Grunge
• Šaušana
• Britu pops
• Trokšņa roks
• Troksnis Pop
• Pēcgrunge
• Lo-Fi
• Indie pops
• Twi-pop
• Mākslas roks (progresīvais roks)
• Džeza roks
• Krauta roks
• Garāžas roks
• Freakbeat
• Glam roks
• Kantrīroks
• Mersibit
• Metāls (Hard Rock)
• Vanguard metāls
• Alternatīvs metāls
• Melns metāls
• Melodisks melnais metāls
• Simfoniskais melnais metāls
• Īsts melnais metāls
• Vikingu metāls
• Gotiskais metāls
• Doom metal
• Nāves metāls
• Melodisks death metal
• Metalcore
• Jauns metāls
• Spēka metāls
• Progresīvs metāls
• Ātrmetāls
• Stoner rock
• Thrash metāls
• Tautas metāls
• Smagais metāls
• Jauns vilnis
• Krievu roks
• Kroku roks
• Pankroks
• Ska punk
• Poppanks
• Crust punk
• Hardcore
• Krustojums
• Nemiernieku tauta
• Poproks
• Postpanks
• Gotiskais roks
• Nav viļņa
• Līnijas
• Psihodēlisks roks
• Mīksts roks
• Tautas roks
• Tehno roks

Kā redzat, ir daudz stilu. Pilna saraksta uzskaitīšana prasīs daudz laika, tāpēc mēs to nedarīsim. Galvenais ir tas, ka jūs tagad zināt, kā parādījās mūsdienu populārie žanri, un jūs noteikti vairs nejauksiet žanru un stilu.